Nov 1, 2016

Todd Hido

Todd Hido (Kent, Ohio, 1968) es uno de los fotógrafos estadounidenses más interesantes de la actualidad. Con una obra basada en paisajes interiores, exteriores y retratos, ha conseguido crear un estilo visual contundente y arrollador.

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Su trabajo, cargado de pequeños detalles, nos habla del vacío. Mediante un peculiar uso de la luz y el color, el artista genera atmósferas desoladoras, repletas de misterio, belleza y poesía.

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Para realizar estos impresionantes proyectos, Hido explora sus recuerdos más profundos y sus experiencias vitales. Esto ha permitido al fotógrafo crear una obra en la que nos muestra sus emociones, y reflexiona sobre la intimidad, la soledad, la inquietud y la melancolía.

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La obra de Todd Hido es un constante diálogo entre el interior y el exterior, tanto desde una perspectiva física, como en un plano emocional. De esta forma, sus imágenes nos invitan a adentrarnos en los misteriosos espacios retratados. Lugares en los que parece que no pasa nada, pero que en la mente del observador generan todo tipo de fantasías.

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Todo esto provoca una intrigante tensión no resuelta. Una presión emocional en el espectador, que lucha por tratar de averiguar lo que sucede en cada instantánea, sin llegar a conocerlo nunca.

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Para capturar sus imágenes, el fotógrafo de Ohio recorre las calles buscando el lugar ideal. Sus exposiciones son largas, entre 4 y 10 minutos, y no usa ningún tipo de iluminación adicional. Sus encuadres aprovechan los espacios vacíos del cielo o la tierra, para aumentar las ideas que nos quiere transmitir.

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Para sus fotografías de interiores, Hido suele revisitar espacios de su infancia o lugares de transición. Son sitios vacíos que, sin embargo, se revelan como contenedores de múltiples historias, relacionadas con la familia y el hogar.

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Todd Hido llamó la atención del público en 1998, después de publicar un pequeño portafolio llamado Housesitting en el número de mayo de la revista ArtForum.

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Ha realizado más de 15 exhibiciones individuales. Su obra se puede encontrar en prestigiosas instituciones, como el Guggenheim, la New York Public Library, The George Eastman House o el Los Angeles County Museum of Art. Su trabajo ha sido publicado en medios como The New York Times Magazine, Eyemazing, Wired, The Face, I-D y Vanity Fair.

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Según confiesa el propio artista, el fin último de su trabajo no es la exposición, sino el fotolibro. Mediante este formato, Todd Hido consigue que sus historias se narren de una forma más personal. Creando relatos que son auténticos poemas visuales.

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Oct 17, 2016

Audi Duel

Ringan Ledwidge – Audi – ‘Duel’ from Fox Devil Films on Vimeo.

Impresionante y divertido anuncio de la agencia Venables Bell & Partners. El comercial está dirigido por Ringan Ledwidge e iluminado por Greig Fraser.

La pieza, realizada en septiembre de este año, es una metafórica sátira de la lucha que mantienen Hillary Clinton y Donald Trump, por alcanzar la Casa Blanca.

En la cinta podemos encontrar varios guiños sobre dicha batalla, como un elefante y un burro (símbolos del partido republicano y demócrata, respectivamente) de hielo, un móvil con documentos clasificados, una pareja a punto de empezar el debate, o el mensaje final del anuncio: “Merece luchar por las cosas bonitas. Escoge el próximo conductor sabiamente”.

Sep 1, 2016

Rinko Kawauchi

La japonesa Rinko Kawauchi (Shiga, Japón. 1972) es pura sensibilidad. Sus imágenes, de un marcado carácter autobiográfico, hablan de los aspectos más íntimos de lo cotidiano.

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Sus instantáneas son pequeños poemas visuales que reflejan, de una forma original y personal, la vida y el mundo que le rodea.

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Su obra huye de lo material, del espacio y del tiempo, para centrarse en una esencia poética y abstracta. De esta forma, Kawauchi intenta desnudar las ideas que vuelan en su subconsciente.

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Las fotografías minimalistas de Kawauchi retratan su mundo pero a su vez son el reflejo de la propia artista, “cuando fotografío intento seguir mis instintos, más tarde analizo el porqué he fotografiado y la imagen me da la el motivo”.

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Autora de más de 15 fotolibros, se dio a conocer en 2001, cuando publicó de forma simultánea 3 libros: Utatane (Siesta), con fragmentos del día a día; Hanabi (Fuegos artificiales), con fiestas populares; y Hanako, un estudio íntimo de una joven con ese nombre.

Untitled (from the series: Uatatane), 2001

Otros fotolibros son Aila, que parte del nacimiento de diferentes criaturas; The Eyes, the Ear, donde combina momentos cotidianos, con palabras susurradas en forma de poesía; o Cui Cui, libro que documenta momentos de la vida de su familia.

Untitled (from the series: Uatatane), 2001

Sus fotografías han sido expuesta en lugares tan prestigiosos como Les Rencontres d’Arles (2004); Fondation Cartier pour l’art contemporain, París (2005); The Photographer’s Gallery, Londres (2006); Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil (2007); o Brighton Museum & Art Gallery, Brighton Photo Biennial, Brighton (2010).

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Untitled (from the series: Uatatane), 2001

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Jun 21, 2016

Instant Light

Para entender la obra del director ruso Andrei Tarkovsky, vale con leer el nombre que le puso al libro en el que nos describe su manera de ver el cine: “Esculpir el tiempo”. El tiempo, una de las paradojas más fascinantes y misteriosas del universo, fue su gran aliado.

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Desde su magistral punto de vista, el director era un escultor que arrancaba pedazos de tiempo. Su manera de narrar consistía en coger una vida e ir quitándole los trozos sobrantes, hasta quedarse con una película. El cine le permitía captar el tiempo tal cual él lo entendía, no como una abstracción sino como su una realidad subjetiva.

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Es la relatividad del tiempo con la que Tarkovsky jugaba en sus películas para narrar, como si de poemas se tratase, sus pensamientos y los recuerdos de sus personajes, a través de los suyos propios.

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La idea de infinito no puede ser expresada en palabras o descrita, pero puede ser aprehendida a través del arte, que hace tangible lo infinito. Sólo se puede llegar a lo absoluto a través de la fe o del acto creativo“.

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El cine de Tarkovsky no es fácil de ver. Sus imágenes parecen instantáneas en las que el tiempo se detiene y la quietud nos atrapa. En ese momento el cansancio hace mella en el espectador y no es extraño adentrarse en el mundo de los sueños. Sin embargo, es aquí, en el mundo onírico de cada espectador, donde el gran maestro ruso quería que sus películas se completasen y se perfeccionasen. En un empeño por fundir el mundo real con el imaginario.

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Ingmar Bergman, declaró, “Tarkovsky para mí es el más grande, el que inventó un nuevo lenguaje, fiel a la naturaleza del cine ya que capta la vida como un reflejo, la vida como un sueño”.

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Su obra era, por tanto, una poesía espiritual. “Cuando hablo de poesía no estoy pensando en ella como un género. La poesía es una conciencia del mundo, una forma particular de relacionarse con la realidad… Un artista así puede discernir las líneas del diseño poético del ser. Es capaz de ir más allá de las limitaciones de la lógica coherente, y comunicar la profunda complejidad y la verdad de las conexiones impalpables y los fenómeno ocultos de la vida“.

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Su manera de narrar, como si contemplara, elevaba los sentidos hasta el límite de lo que llamamos trascendencia. Por medio de una cuidada y mágica luz, creaba puertas espacio-temporales hacia los recuerdos de vidas ajenas.

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Debo decir que la acción externa, las intrigas y la conexión entre los acontecimientos no me interesan para nada, y que en cada película me van interesando menos. Lo que realmente me preocupa es el mundo interior de las personas. Por eso me resultó algo completamente natural lanzarme al viaje hacia el interior del alma de mi héroe, en la filosofía que lo sustenta, en las tradiciones culturales y literarias en que se basan sus fundamentos internos“.

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Tarkovsky fue un revolucionario del cine. Uno de los pocos artistas que, como varios de sus admirados Buñuel, Kurosawa, Bergman o Antonioni, quisieron crear un lenguaje único, alejado de las influencias de las otras artes. Quería un cine carente de símbolos y sentidos ocultos. Basado en la imagen, en la lógica de lo poético y, sobretodo, en la fijación del tiempo cinematográfico.

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Por todo esto, no era de extrañar que el director ruso fuera un gran fotógrafo. Sus instantáneas hablan de lo cotidiano, de su entorno, de su familia, de sus recuerdos. Y lo hacen por medio de la magia que sólo los grandes poetas pueden ver.

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Sus imágenes son ventanas al pasado que, por medio de colores y tonos apagados, de luces y de sombras, nos hablan de una melancolía. De la nostalgia de detener el tiempo. De retratar un momento que nunca se repetirá.

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Muy en el espíritu de su trabajo con imágenes en movimiento, sus fotos captan la naturaleza, las personas y la luz en imágenes que brillan con la singular humanidad, que impregna sus películas.

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Cabe imaginar a Tarkovsky cautivado por el mágico proceso de revelado de las Polaroids. Cabe pensar en el director ruso asociando esa materialización instantánea de la imagen, con los procesos mentales que una persona realiza al intentar evocar un recuerdo. Es algo asociativo y misterioso que el cine y la persona de Andrei Tarkovsky tenían muy presente.

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Todo empezó cuando Tarkovsky viajó a Italia para preparar el rodaje de Nostalgia, allí su amigo, el director Michelangelo Antonioni, le regaló una cámara Polaroid. Entonces ya era el director ruso más prestigioso desde Einsenstein. Acababa de ganar el León de Oro de Venecia con La infancia de Iván (1962), y la admiración hacia su cine crecía tanto como su halo de misterio que generaba su obra.

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Sin saberlo, estas fotografías se convirtieron en sus últimos recuerdos de su Rusia natal. Una vez acabado el rodaje de Nostalgia, el director se quedó exiliado en Italia. Las autoridades soviéticas cada vez estaban menos conformes con su cine y le sometían a grandes presiones para hacer cine propagandístico.

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Las Polaroids de Tarkovsky son las fotos de alguien que está despidiéndose sin saberlo y, sin embargo, en ellas ya se ve el dolor de la pérdida.

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En total tomó cerca de 200 Polaroids entre los años 79 y 83. De las cuales el Instituto Internacional Andrei Tarkovsky de Florencia, seleccionó 60 instantáneas, con el que posteriormente se editó el libro Instant Light. Las fotos están tomadas entre Rusia e Italia.

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Se fue hace más de 20 años, en 1986 en París, a la edad de 54. Arrasado por la sensación de desarraigo, y la pena de sentirse un director incomprendido. Con una estela de ocho obras maestras del celuloide, el director ruso Andréi Tarkovski es un mito en la historia universal del cine.

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«En 1977, durante la ceremonia de mi boda en Moscú apareció Tarkovsky con una cámara Polaroid. Había descubierto recientemente este aparato y estuvo usándolo con regocijo entre nosotros. Él y Antonioni fueron mis testigos de boda. Según la costumbre de aquella época eran ellos quienes tenían que elegir la música que sonaría en el momento de firmar los documentos de matrimonio. Escogieron el Danubio azul. Por entonces Antonioni también solía usar una Polaroid. Recuerdo que en el curso de una localización de exteriores en Uzbekistán donde queríamos rodar un film —que finalmente no hicimos— regaló a tres ancianos musulmanes las fotos que les había tomado. El más viejo, nada más verlas se las devolvió con estas palabras: “¿Qué hay de bueno en parar el tiempo?”. Este rechazo desacostumbrado nos sorprendió tanto que no supimos contestar.Tarkovsky pensó mucho sobre el “vuelo” del tiempo, y quería conseguir una sola cosa: pararlo —aunque solo fuera por un instante, en las imágenes de la Polaroid».

Tonino Guerra

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Para saber más de Tarkovsky, podéis leer este artículo de Jot Down.

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Y para ver todas sus películas, podéis entrar en Open Culture, donde se pueden visionar de forma gratuita.

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May 30, 2016

Up&Up

Con más de 25 millones de visualizaciones en 15 días, el último videoclip del grupo británico Coldplay, está llamado a ser una de las piezas audiovisuales de este año.

La original cinta mezcla material de archivo, filmaciones sobre croma y efectos visuales, para crear un trabajo que combina surrealismo, belleza, delicadeza y nostalgia.

De esta forma, en la pieza podemos ver caballos galopando sobre el agua, tortugas flotando en un andén del metro, volcanes que expulsan palomitas o paisajes donde el mar y el cielo crean un único ecosistema.

Sin embargo, Up&Up es algo más que una sucesión de imágenes surrealistas, ya que por medio de sus metáforas, Coldplay intenta denunciar temas como: el imperialismo, las injusticias de la guerra, el consumismo y la desertización del planeta, entre otros.

La cinta está dirigida por Vania Heymann y Gal Muggia, reconocidos directores de publicidad y videoclips que, a su vez, han sido los responsables de la edición, algunos de los efectos digitales y la iluminación.

Up&Up es el tercer single de A Head Full of Dreams (2015), séptimo álbum del grupo liderado por Chris Martin. Disco que supone una vuelta al estilo más emblemático y reconocible de Coldplay, después del introspectivo Ghost Stories (2014).

Feb 25, 2016

Upside down & Inside Out

Ok Go vuelve a sorprendernos con su nuevo videoclip.

En esta ocasión se atreven con un impresionante plano secuencia en ¡gravedad cero!. Nos dejan sin palabras.

Feb 4, 2016

Late Night

Aprovechando la reciente visita del grupo inglés Foals por Madrid, traemos uno de nuestros videoclips favoritos.

Se trata de un impresionante, oscuro y asfixiante trabajo dirigido por el prestigioso realizador de publicidad y videoclips Nabil Elderkin.

La canción, Late Night, pertenece al álbum Holy Fire, que fue publicado en 2013. Actualmente, el grupo de Oxford está de gira de presentación de su nuevo trabajo What When Down, que vio la luz en agosto del 2015.

Dic 22, 2015

Leica 100 años

Uno de los anuncios más premiado el último año. Esta oda a la fotografía ha ganado el Grand Prix de Cannes 2015 y el Gold Lion at Cannes 2015 a la mejor dirección de fotografía, entre otros tantos galardones.

La película hace un recorrido por 35 de las imágenes más icónicas y homenajea la influencia de Leica, al ser los creadores de la primera cámara portátil. Hecho que transformó la fotografía para siempre.

Oct 7, 2015

Richard Misrach

Richard Misrach (Los Ángeles, California, en 1949) es uno de los fotógrafos más influyentes de su generación y de la corriente New Color. De hecho, él fue uno de los precursores del renacer de las imágenes en color a gran escala.

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Los trabajos de Misrach, siempre estéticamente impecables, abordan la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza. Para él la fotografía en gran formato es una manera de ayudar al espectador a explorar con calma las imágenes y apreciar los matices de la cruda realidad que muestra.

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Con un enfoque crítico y una visión ecológica, Misrach muestra naturalezas en las que la presencia del hombre ha dejado una huella imborrable. Denunciando, de esa forma, la destrucción del medio ambiente por culpa del capricho humano.

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Este licenciado en psicología, cuya tesina trató sobre la personalidad creativa, construye impresionantes imágenes figurativas con una abrumadora carga emocional, en las que reflexiona sobre la inmensidad y el vacío.

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Gracias a una delicadeza desmesurada, un equilibrio mágico y una estética depurada, las fotografías de Misrach tienen la facultad de evocarnos el mundo trágico y nostálgico característico del romanticismo.

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Misrach se aleja de cualquier tipo de idealización y enfoca su trabajo en atraer la mirada del espectador hacia una realidad maltratada pero a la vez de una estética grandiosa. Convirtiéndonos, de esta forma, en responsables pasivos de ese deterioro de la naturaleza.

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Sus proyectos más importantes son: Cantos del Desierto, un complejo estudio del desierto americano, en el que lleva trabajando 35 años; El Callejón del Cáncer, donde denuncia el impacto de la industria petroquímica a lo largo del río Missisippi; Golden Gate, una profunda investigación de la meteorología y las horas en la fotografía;  y On the beach, estudio de las relaciones sociales y el aislamiento.

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Las imágenes de Misrach se encuentran en las colecciones de los museos más importantes del mundo. Además, ha obtenido algunos de los premios y becas más prestigiosos del mundo del arte.

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May 14, 2015

Need You Now

Hot Chip – ‘Need You Now’ from Shynola on Vimeo.

La banda londinense Hot Chip ha estrenado recientemente “Need You Now”, segundo videoclip de su sexto álbum, “Why Make Sense”, que será presentado el próximo 18 de mayo en el Sónar 2015.

La pieza, que linda entre la tristeza y la euforia, está dirigida por el colectivo de directores londinense Shynola. Este prestigioso equipo cuenta con trabajos para Beck, Radiohead, Morcheeba y Blur, entre otros grandes grupos.

Alexis Taylor, líder de la banda, es el protagonista de esta cinta, que nos narra la historia de un hombre que crea un loco y patético multiverso, al ser abandonado por la mujer a la que ama.

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